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mercoledì 24 agosto 2016

LEE NAYLOR A BLACK AND WHITE BRIGHTLY COLORED

Lee Naylor on Instagram you can find under the name of @leenayl has nothing to do with the English footballer flag of Wolverhapton Wandereres, it is just a case of coincidence. Moreover each cultivates his passions and Lee that interests us has a strong photography.
Read more of his activity and his the projects I put a few questions.

Lee, to know the history of your namesake just consult wikipedia and appear to statistics of his football career, for you speak the shots you've done around the world, tell us about your passion for photography and how did?

“Photography has always been in my life in one form or another: whether it was sat with my father as youngling in our garden on a summer’s evening doing long exposures on his Olympus OM; or clutching a crappy old range finder on family holidays as a child. However, taking photography seriously, and actually learning the technical side of things, has been a relatively recent obsession. My real interest has never really been photography per se, but has evolved as a consequence of becoming obsessed with culture, people, humanity, and the fleeting passage of time - all stemmed from many years of prolonged and immersive travelling. No matter if it is my earlier photographs on a point and shoot, or my more contemprory shots on my manual DSLRs or range finders (or even my phone) I always try to capture things that invoked the spirit of the places I visit; rarely buildings or monuments, but rather of people or moments, which conjure forth emotion, humanity or channels the transient nature of life.”

In your gallery on Instagram people are always in the foreground. Often you portrait poor and homeless, and sometimes children, sometimes even testimonies of joy and friendship. What is the common thread that binds all these shots?

“It is often difficult to answer this sort of question without sounding clichéd or unoriginal but, for me, a photograph is little more than a moment frozen in time. I rarely see photography as art, but as something to document the fleeting existence, and especially that of human life. I find that many people, especially in the West, are so self-involved and so oblivious to the things that are going on around them; eyes forever cast towards some future, some past, not only ignoring the ephemeral nature of time and the temporary nature of existence, but, perhaps more importantly, missing the moments of love, friendship, hope, sorrow, sadness, joy, which surround us at every moment of every day. We live in a time where photographs are often little more than a series of contrived “selfies” or distorted realities – a thousand pictures taken and only one kept as this particular image casts us in a flattering light. The common thread, as such, is merely an aspiration to be a photographer that is the antithesis to the way society is: to document reality as is; capturing moments with imperfections but beauty; to document the fleeting nature of life and the things that people all too often choose to ignore or deny.”

Why did you choose to photograph exclusively in black and white?

“Although my Instagram page is in black and white, I do sometimes work in colour when the time calls for it. However, black and white photography for me offers unique opportunities not afforded by colour. Firstly, there is a timelessness to black and white photography... you take a photograph of woman dressed in some sort of traditional attire, stood against a nondescript wall and it could have been taken at any point in time. It forces you to look for the clues – the purse in her hand, the type of bag she is carrying etc to make sense of when the photo was taken. Furthermore, I often find black and white less distracting, it is merely lightness and darkness in which your subject resides, defined by nothing more than illumination or shadow; nothing else invades your senses. I find that nothing conveys real emotion better than black and white, devoid of colours that all to often have sentimental or emotional attachments to them, which can all too often contradict the image’s spirit. Furthermore, Black and white to me is romanticism and nostalgia, often they feel as if they were a memory plucked forth from the recesses of someone’s mind; a memory from a forgotten time, a distant place, or another life.”

Many of your photos have been taken around the world, there is a country in addition to the United Kingdom in which you are most fond of?

“This question is by far the most difficult to answer. I have been to so many countries that I cannot begin to pick one, and as such tend to think more in regions. But when I’m thinking of embarking on a new adventure my thoughts often turn to the Middle East, as despite the myriad of bullshit you hear on the news about the region the reality often stand in stark contrast to any media depiction. For instance, one recent trip to Lebanon had me arrive in Beirut in November of 2015, two days after a bomb had detonated in the south of city. Despite Western media depicting the place in what seemed to be disarray I was confronted with a very different reality; normality. Visiting such places as Tripoli in the North (associated with such groups as Daesh and al Nusra), the border regions near Syria (were refugees wandered the sidewalks and military helicopters could be heard in the distance) or Shatila refugee camp (were a displaced community still resided decades on from their original plight), all I found time and again was the same things that I find in any part of the world: normality; hope and fear; love and loss; joy and sorrow; and the myriad of other emotions that make humanity what it is in this fleeting existence that is life.”



venerdì 12 agosto 2016

RIVUS ALTUS, IL PONTE DEL RIALTO COME NON L'AVETE MAI VISTO

Si Terrà a Venezia dall’8 ottobre fino al 29 novembre 2016 la mostra fotografica di Massimiliano Farina1, fotografo e architetto di Milano dal titolo “RIVUS ALTUS, 10.000 frammenti visivi dal ponte di Rialto a Venezia”.
Visitando il sito www.ilpontedirialto.it potete trovare i dettagli del progetto e tutte le indicazioni  per raggiungere la mostra.
Nella home del sito c’è anche il link per la campagna di crowdfunding su Kickstarter creato da Massimiliano per sostenere parte dei costi di allestimento e di affitto della mostra.
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Ho chiesto a Max di svelarci qualche frammento inedito della nuova esperienza che sta per iniziare e del lungo lavoro preparatorio che ci sta dietro.
Massimiliano perché hai scelto proprio Venezia?
“Venezia è una fra le più belle città al mondo, al punto da annoverare anche svariate repliche, da Macao a Las Vegas. Ho sempre desiderato ideare un progetto fotografico su Venezia che potesse essere al tempo stesso personale e originale. Sembra impossibile riuscire a narrare una città di tale bellezza senza essere in qualche modo criptici o allusivi, senza cadere nella banalità dello stereotipo. Ho quindi preferito concentrarmi su un dettaglio, una piazza o un edificio.”  

Qual è stato il passo successivo?
“Bastano pochi passi per salire in cima al ponte di Rialto e ritrovarsi ipnotizzati dal panorama mozzafiato. Ho scelto di appostarmi con il mio cavalletto esattamente al centro del ponte, un ufficio di un metro quadrato dove ho lavorato per due anni, sempre circondato dai turisti fotografi. Ora che il ponte è chiuso per restauro, ho deciso che era giunto il momento di condividere questo progetto con tutte le persone a Venezia, turisti e veneziani. Così, al termine di questo lungo periodo di shooting, ho scelto di sposarmi in questa splendida città e chiudere in bellezza il mio progetto.”
Oltre al fantastico panorama sarai stato sempre a contatto con tante persone…
“Avendo scelto di scattare dal punto migliore, ero costantemente circondato dalle persone e facilitato nel catturare le loro espressioni rapite dal panorama. Ho così scoperto come quella vista sia in grado di stregare gli spettatori, permettendomi di ritrarli con la massima libertà e disponibilità. Ho passato 2 anni a scattare da quella postazione, di giorno o di notte, col sole o con la pioggia. La mia posizione privilegiata mi ha permesso di scattare più di 30.000 foto.”
Cosa troveranno i visitatori alla tua mostra?
“La mia reinterpretazione della vista dal ponte di Rialto è suddivisa in 78 frammenti fotografici, selezionati casualmente tra le migliaia di foto scattate. Il Panorama sarà composto da 78 blocchi di carta fotografica installati su un muro lungo 7 metri. Durante la mostra i visitatori saranno invitati a interagire con l'installazione e a portarsi a casa uno dei frammenti fotografici. Grazie alle loro visite il panorama cambierà ogni giorno.”  

Che tecnica hai utilizzato per ritrarre le persone che salivano sul ponte?
“L'approccio che ho deciso di seguire per ritrarre quelli che definisco gli "abitanti di Rialto" è piuttosto simile a quello utilizzato per il panorama. Ho infatti suddiviso il loro punto di vista in più scatti, catturando la loro esperienza in una veloce sequenza di immagini. Questa tecnica è stata resa possibile dallo scatto quasi simultaneo di due fotocamere unite da un braccio metallico. I ritratti sono stati successivamente riuniti come dittici e stampati in bianco e nero su diversi pannelli. Durante la mostra, i protagonisti dei ritratti circonderanno il Panorama come fossero ancora sul ponte di Rialto a godersi la vista sul canal Grande.”
Dove si svolgerà la mostra?
“La mostra avrà luogo nel centro di Venezia, a partire dall'8 ottobre al 5 novembre 2016. Sarà ospitata presso il Centro Culturale Don Orione Artigianelli, pochi minuti a piedi dal ponte di Rialto, attualmente impacchettato. Il Panorama e i dittici saranno ospitati in questa luminosissima stanza di 120 mq affacciata sul chiostro del 1400.”
Hai deciso di ricorrere al crowfunding per finanziare la mostra
“L'obiettivo di raccogliere 8000€ attraverso il crowfunding mi aiuterà concretamente a realizzare questa mostra, permettendomi di coprire parte dei costi di affitto e di stampa dell'installazione. Grazie al generoso supporto della Fondazione Boga è stato possibile versare un anticipo per prenotare lo spazio ma per rendere questa mostra indimenticabile avrò bisogno ho del supporto di tutti. La vera sfida è infatti rendere questa esperienza coinvolgente e mozzafiato, superando l'obiettivo iniziale. Più saranno numerosi e generosi visitatori, più la mostra sarà eccezionale. Coloro che contribuiranno con una donazione riceveranno un ringraziamento speciale per aver supportato il progetto. I loro nomi compariranno su un pannello speciale sul luogo della mostra, sui canali social e sul relativo sito (ora in fase di aggiornamento).”


1Massimiliano Farina (Milano, 1974) architetto e fotografo, nel 1991 inizia a fotografare ed a sperimentare tecniche di sviluppo e stampa in bianco e nero. Nel 1997 realizza la sua prima personale “Belfast” a Milano, presso la sede di Fuoricampo, Centro Studi e Ricerche Cinematografiche.
Successivamente   sviluppa   un’  attività   personale   di   ricerca in campo   fotografico,   operando   principalmente   nell’ambito  della fotografia di reportage, di architettura e di documentazione del territorio. Tra i suoi lavori: personale  “Chicago  e  New  York”  a  Milano,  presso la sede Fuoricampo (1997),  “Sulla  mia   strada,   piazze”   a   Milano,   presso   la   Facoltà di Architettura del Politecnico di Milano (1998), personale “SS9 Via Emilia” a San Donato Milanese, presso la Galleria d’Arte Contemporanea “Cascina Roma” (2001), libro “case Spazi Abitanti la  Cooperativa Edificatrice Ferruccio Degradi a Milano” Editore Clup (2002), libro “Dentro la città – le case e gli abitanti della cooperativa edificatrice Auprema” Editore Silvana Editoriale (2005)
Dal   2006   si   dedica   a   un   lavoro   di   ricerca   sul   paesaggio   e   l’architettura,   lavorando   a   un   archivio   a   crescita   progressiva sulle diverse attività umane e sui nuovi paesaggi naturali e artificiali, cercando di documentare situazioni in cui i confini tra finzione e realtà diventano invisibili.
Seguiranno altri progetti: libro “Abitare, il progetto della residenza sociale tra tradizione e innovazione” edito Re Magioli (2010), realizzazione a New York City per Revolve di un grande wall fotografico di 15 mt. “Las Vegas sunset” (2012), presentazione al fuori salone di Milano durante la Milano Design Week di 2 progetti fotografici, “Ghost  - Deleted spaces” e “Dubai – under construction” (2014)1° premio   del   Contest   “Periferie   Possibili”   organizzato   da   Sotto il Viadotto con la collaborazione del gruppo Renzo Piano G124 (2014), libro “Nella città – questioni del progetto urbano”, Editoriale Mimesis, in collaborazione con il
Politecnico  di  Milano  (2015),  saggio  fotografico  “Trame  di  città  nel  paesaggio  veneziano”  nel  libro  “Relazioni   di paesaggio – Tessere   trame   per   rigenerare   i   luoghi”   di   Pier   Luigi   Paolillo   e   Massimo   Venturi   Ferriolo   (2015), mostra fotografica al Fuori  Salone  di  Milano  presso  lo  Spazio  BLU  del  progetto  “NELLA  CITTA’  - questioni   del   progetto   urbano”   (2015),   documentazione   fotografica ufficiale
del   Padiglione   Cinese   CUUP   presso  l’  Expo  di  Milano  (2015).




lunedì 8 agosto 2016

Il Re di Chicago

Ian Pfeiffer in arte @kingmephotography ha una galleria su Instagram che ti toglie il fiato. Vedute metropolitane della sua Chicago che ti colpiscono per originalità. Sembra quasi di vivere in un fumetto se non fosse per i ballon che mancano, degnamente sostituiti dalle sue didascalie essenziali, filosofiche e sempre attraversate da un filo di ironia.
Per saperne di più potete anche visitare il suo sito e perché no, mandargli una mail per parlare con lui di fotografia. 


THE KING OF CHICAGO

Ian Pfeiffer in art @kingmephotography has a photo gallery breathtakingly. 
Metropolitan views of his Chicago that strike you for originality. It seems to live in a balloon if it were not because they lack thought balloons worthily replaced by its essential captions, philosophical and always crossed by a hint of irony.
To know more you can visit its website and why not?  Send him an email to talk about photography.


 


martedì 2 agosto 2016

Fabio Roscio ed i suoi ritratti in-consapevoli

A tu per tu con Fabio Roscio in arte il Fotografante davanti ad un piatto fumante di risotto alla trevigiana, forse il piatto meno indicato in una giornata di piena estate da condividere a Pavia, ridente centro cittadino immerso nella pianura padana che calamita umidità e zanzare in quantità industriali (una volta le industrie c'erano per davvero). 
Da un anno a questa parte Fabio ha inaugurato una pagina su Facebook dal titolo @ ilfotografante dove raccoglie i ritratti di tutti coloro che condividono più o meno consapevolmente la partecipazione agli eventi della città ed in particolare quelli musicali legati al jazz ed al blues. La sua presenza a queste manifestazioni  in giro per la città con la sua inseparabile mirrorless sempre al collo, ha infatti contribuito ad arricchire le gallerie fotografiche di tanti volti di giovani, vecchi e bambini. Si tratta di ritratti in-consapevoli, come lui stesso li definisce poiché il Fotografante a differenza del modus operandi degli street photographer, non fa nulla per celare la sua attività fotografica. Dovunque si trovi, in  un bar piuttosto che in un luogo all'aperto, Fabio si piazza al centro dell'evento e comincia ad azionare la sua mirrorless con una naturalezza che non ha paragoni. Qual'è il suo obiettivo? Cogliere l'espressione delle persone che partecipano agli eventi, non di nascosto ma con naturalezza ed autenticità.
E se qualcuno se ne accorgesse? Niente di male! La maggioranza dei suoi soggetti fa in tempo a regalargli un sorriso di complicità.
Se volete incontrarlo per scambiarci quattro chiacchiere potete incrociarlo al Sottovento o al Modernista
dove ama rifugiarsi per ascoltare la sua amata musica jazz o il blues tuttavia per essere sicuri della sua presenza vi consiglio di seguire le date del complesso musicale The band di cui si sente non solo fotografo ufficiale ma vero e proprio componente (a proposito mi ha rivelato che tra poco il gruppo  cambierà il nome in The social band, ma questo non ditelo a nessuno).